Galleri for europæisk og amerikansk kunst i Moskva. 6 malerier værd at se

Denne artikel er for dem, der ikke skal til Pushkin-museet for første gang. Har du allerede set det meste de vigtigste mesterværker i kunstgallerierne i Europa og Amerika (som er en del af Pushkin-museet og er placeret i en separat bygning på Volkhonka, 14 i Moskva). OG "Blue Dancers" af Degas. И “Jeanne Samari” Renoir. Og de berømte "Åkander" af Monet.

Nu er det tid til at udforske samlingen dybere. Og vær opmærksom på mindre promoverede mesterværker. Men stadig mesterværker. Alle de samme store kunstnere.

Og endda dem, som du gik uden om ved dit første besøg på museet. Det er usandsynligt, at du derefter stoppede foran "Girls on the Bridge" Edvard Munch. Eller "Jungle" Henri Rousseau. Lad os lære dem bedre at kende.

1. Francisco Goya. Karneval. 1810-1820

Der er kun tre malerier af Francisco Goya i Rusland. To af dem er i Pushkin-museet (tredje maleri, "Portræt af skuespillerinden Antonia Zarate" - в Eremitage. Derfor er det værd at overveje en af ​​dem. Nemlig "Karneval".

Hun er lidt kendt i udlandet. Dog meget goyish. I hans ånd. Uhyggelig, hånende. Karnevallet finder sted i løbet af dagen. Men det føles som om det er nat på billedet. De "fejrende" mennesker virker så skræmmende. Det er, som om det var drukkenbolte og banditter, der gik ud for at lave ballade om morgenen.

Dette er måske det mørkeste karneval, der nogensinde er skrevet. En sådan dysterhed var karakteristisk for alle Goyas sene værker. Selv i mere farverige bestillingsværker kunne han skildre forbude om dårlige ting.

Så videre portræt af aristokraternes søn han skildrede katte med onde øjne. De personificerer verdens ondskab, som stræber efter at tage et barns uskyldige sjæl i besiddelse.

2. Claude Monet. Syren i solen. 1872

"Lilacs in the Sun" - selve legemliggørelsen impressionisme. Lyse farver. Skær af lys på tøj. Kontrast af lys og skygge. Mangel på præcise detaljer. Billedet ser ud til at være gennem et slør.

Hvis du elsker impressionisme, vil dette maleri vise dig præcis hvorfor.

Små børn opfatter verden uden detaljer, som gennem tykt vand. Sådan beskriver folk, der husker sig selv på 2-3 år i hvert fald, deres minder. I denne alder vurderer vi alt meget mere følelsesmæssigt. Derfor er især impressionisternes værker Claude Monet vække følelser i os. For det meste behageligt, selvfølgelig.

"Lilac in the Sun" er ingen undtagelse. Det gør ikke noget for dig, at ansigterne på de kvinder, der sidder under træerne, ikke er synlige. Og endnu mere er deres sociale status og samtaleemnet ligegyldige. Du vil blive overvældet af følelser. Ønsket om at analysere noget vil ikke vågne. Fordi du er som i barndommen. Du glæder dig. Du er ked af det. Du kan lide. Du er bekymret.

Læs om et andet vidunderligt værk af Monet i Pushkinsky “Boulevard des Capucines. Usædvanlige fakta om maleriet”.

3. Vincent Van Gogh. Portræt af doktor Ray. 1889

I de sidste år af sit liv var Van Gogh fuldstændig prisgivet farven. Det var på dette tidspunkt, han skabte sin berømte "Solsikker." Selv hans portrætter er meget lyse. "Portræt af Doctor Ray" er ingen undtagelse.

Blå jakke. Grøn baggrund med gul-røde hvirvler. For usædvanligt for det 19. århundrede. Dr. Ray satte selvfølgelig ikke pris på gaven. Han opfattede det som et absurd billede af en psykisk syg patient. Jeg smed den op på loftet. Så dækkede han helt hullet i hønsegården med det.

Faktisk malede Van Gogh sådan en von bevidst. Farve var hans allegoriske sprog. Krøller og lyse farver er de følelser af taknemmelighed, som kunstneren følte over for lægen.

Det var trods alt ham, der hjalp Van Gogh med at klare anfald af psykisk sygdom efter den berømte begivenhed med sit afskårne øre. Lægen ville endda sy på kunstnerens øreflip. Men det tog for lang tid at få hende på hospitalet (Van Gogh rakte øret til en prostitueret med ordene "Dette kan være nyttigt for dig").

Læs om andre værker af mesteren i artiklen "5 mesterværker af Van Gogh."

4. Paul Cezanne. Fersken og pærer. 1895

Paul Cézanne erklærede en boykot af fotografiske billeder. Ligesom hans samtidige impressionisterne. Kun hvis impressionisterne skildrede et flygtigt indtryk, der negligerede detaljer. Cezanne ændrede disse detaljer.

Dette er tydeligt synligt i hans stilleben "Peaches and Pears". Se nærmere på billedet. Du vil finde en masse forvrængninger af virkeligheden. Overtrædelser af fysikkens love. Love for perspektiv.

Kunstneren formidler sit eget syn på virkeligheden. Det er subjektivt. Og vi ser på det samme objekt fra forskellige vinkler i løbet af dagen. Så det viser sig, at bordet ser ud til at blive vist fra siden. Og bordpladen er vist nærmest oppefra. Det er som om hun falder over os.

Se på kanden. Bordlinjen til venstre og højre for den er ikke sammenfaldende. Og dugen ser endda ud til at "flyde" ind i tallerkenen. Billedet er som et puslespil. Jo længere du kigger, jo flere forvrængninger af virkeligheden finder du.

Det er kun et stenkast fra Picassos kubisme og primitivisme Matisse. Det er Cezanne, der er deres største inspiration.

5. Edvard Munch. Piger på broen. 1902-1903

Edvard Munchs signaturstil var præget af Van Gogh. Ligesom Van Gogh bruger han farver og enkle linjer til at udtrykke sine følelser. Kun Van Gogh skildrede glæde og glæde mere. Munch – fortvivlelse, melankoli, frygt. Ligesom i serien malerier "Skrig".

"Girls on the Bridge" blev skabt efter det berømte "Scream". De er ens. Bro, vand, himmel. De samme brede bølger af maling. Kun i modsætning til "Scream" bærer dette billede positive følelser. Det viser sig, at kunstneren ikke altid var i depression og fortvivlelse. Nogle gange brød håbet igennem.

Maleriet er malet i byen Åsgårdstan. Kunstneren elskede ham meget. Nu er alt ved det stadig det samme. Går du dertil, finder du den samme bro og det samme hvide hus bag et hvidt hegn.

6. Pablo Picasso. Violin. 1912

Picasso nåede at arbejde i forskellige retninger i løbet af sit liv. Selvom mange kender ham som kubist. "Violinen" er et af hans mest markante kubistiske værker.

Picasso "skilte" violinen helt ad i stykker. Man ser den ene del fra én vinkel, den anden fra en helt anden. Det er, som om kunstneren spiller et spil med dig. Din opgave er mentalt at sætte de forskellige dele i et enkelt objekt. Her er sådan en malerisk rebus.

Meget snart vil Picasso, ud over lærred og oliemaling, begynde at bruge stykker avis og træ. Dette vil allerede være en collage. Denne udvikling er ikke overraskende. Faktisk er det i det 20. århundrede, ved hjælp af teknologi, så let at se og endda have en gengivelse af ethvert værk. Og kun et værk lavet af stykker af forskellige materialer bliver unikt. Det kan ikke længere reproduceres så let.

Læs om et andet mesterværk af mesteren, som opbevares i Pushkinsky i artiklen "Girl on a Ball" af Picasso. Hvad fortæller billedet om?

Hvis du vil besøge Pushkin-museet igen, så har jeg nået mit mål. Hvis du aldrig har været der før, så begynd at studere dets mesterværker fra artiklen “7 malerier af Pushkin-museet, der er værd at se.”

***

Kommentarer andre læsere se nedenunder. De er ofte et godt supplement til en artikel. Du kan også dele din mening om maleriet og kunstneren, samt stille forfatteren et spørgsmål.