Kunstarkiv Udvalgt kunstner: Ann Kullough

Mød kunstneren fra kunstarkivet. En kunstner af visuelt tiltalende stilleben og landskaber, stræber Anne efter at illustrere mere end man kan se. Hendes dynamiske stil fascinerer seerne og får dem til at se to gange på almindelige scener og objekter.

Denne passion driver hendes arbejde og giver igen næring til hendes fornemme lærerkarriere og populære sociale mediekonti. Fra at promovere sine sidste-øjebliks-workshops til at fremvise sine teknikker, viser Ann mesterligt, hvordan undervisning og sociale medier komplementerer en kunstvirksomhedsstrategi.

Hun tror på at sælge arbejde kun er begyndelsen, og hun deler sine tips til markedsføring på sociale medier og hvad hun lærer sine elever om, hvordan man er kunstner uden for skolen.

Vil du se mere af Annas arbejde? Besøg hende.

Gå indenfor (og udenfor) kunstnerens atelier.

1. STILLIV OG LANDSKABER ER GRUNDLÆGGENDE I DINE ARBEJDER. HVAD INSPIRERER DIG VEDRØRENDE DISSE TEMAER, OG HVORDAN KOM DU TIL FOKUS PÅ DEM?

Jeg finder visuelt interessante ting, som måske ikke har visuel betydning. Jeg ser på verden med et abstrakt syn. Jeg arbejder det samme uanset emnet. Da jeg foretrækker at tegne fra livet frem for fra fotografier, vælger jeg ofte stilleben som motiv. Jeg bruger også stilleben som et middel til at lære mine elever vigtigheden af ​​direkte observation (at arbejde fra livet) som et middel til at udvikle et trænet øje.

Jeg ser på, hvad jeg kan få ud af hver vare, ikke kun hvad det er. Jeg vil gerne skabe noget, der er rart at se på; noget spontant, livligt, som får øjet til at bevæge sig meget. Jeg vil have, at seeren ser på det mere end én gang. Jeg vil gerne have, at mit arbejde viser mere, end det er.

Jeg har tegnet siden jeg var barn, studeret kunst på college og har altid set på tingene rent visuelt. Jeg leder efter interessante former, belysning og alt, hvad der giver mig lyst til at se på et objekt en anden gang. Det er hvad jeg tegner. De er måske ikke unikke eller nødvendigvis smukke, men jeg forsøger at vise, hvad jeg ser i dem, der gør dem unikke for mig.

2. DU ARBEJDER MED FORSKELLIGE MATERIALER (VANDFARVER, MUDEN, AKRYL, OLIE, OSV.), SOM GØR AT GØR KUNST REALISTISK OG IMPRESSIONISTISK. HVILKE VÆRKTØJ KAN DU BRUGE, OG HVORFOR?

Jeg kan lide alle miljøer til forskellige applikationer og af forskellige årsager. Jeg elsker akvarel, når det kommer til udtryk. Jeg kan godt lide at få motivet rigtigt og så bruge farver, tekstur og streger til at tage det til næste niveau.

Akvarel er så uforudsigelig og så flydende. Jeg kan godt lide at se på det som en række reaktioner, mens jeg optager hvert slag. I modsætning til de fleste akvarelister tegner jeg ikke mit emne med blyant først. Jeg flytter malingen rundt for at skabe de billeder, jeg ønsker. Jeg bruger heller ikke akvarelteknik, jeg maler med pensel - nogle gange i en enkelt tone, nogle gange i farve. Det handler om at tegne emnet på papir, men samtidig være opmærksom på, hvad mediet laver.

Hvordan du påfører maling på lærred eller papir er lige så vigtig, hvis ikke vigtigere, end emnet. Jeg synes, kunstneren skal starte med stor struktur i forhold til overordnet tegning og komposition, men de skal bringe mere til bordet og vise beskueren, hvordan man opfatter objektet.

Hvad der gør noget unikt, hvad der giver dig lyst til at se på det, er uhåndgribeligt. Det handler mere om gestus og øjeblikket frem for de små, minutiøse detaljer. Dette er hele ideen om spontanitet, lys og vibration, som jeg ønsker at indgyde i mit arbejde.

3. HVORDAN VILLE DU BESKRIVE DINE METODER SOM KUNSTNER? FORETÆR DU AT ARBEJDE I STUDIOET ELLER VÆRE UDENFOR?

Jeg foretrækker altid at arbejde fra livet, når det er muligt. Hvis jeg er inde, tager jeg et stilleben på. Jeg tegner absolut stilleben fra livet, for man ser mere. Dette er sværere og træner øjet til at se, hvad du ser på. Jo mere du trækker fra livet, jo mere dybde opnår du og bliver en bedre tegner.

Jeg kan godt lide at arbejde på stedet, når det er muligt, fordi jeg nyder at arbejde udendørs. Hvis jeg er indendørs, plejer jeg at skitsere mit kunstværk baseret på den research, jeg har lavet på stedet, kombineret med nogle meget hurtige fotografier. Men jeg er mere afhængig af forskning end fotografier – fotografier er kun et udgangspunkt. De er flade, og det nytter ikke noget at være der. Jeg kan ikke være der, når jeg arbejder på et stort stykke, men jeg skitserer i min skitsebog – jeg elsker akvarelskitser – og tager dem med til mit studie.

At tegne fra livet er meget vigtigt, især for dem, der lige er begyndt at tegne. Hvis du tegner i lang tid, har du erfaring nok til at tage et billede og gøre det til noget mere. En nybegynder kunstner går efter en kopi. Jeg godkender ikke fotografering, og jeg synes, at kunstnere bør fjerne ordet "kopi" fra deres ordforråd. Billeder er kun et udgangspunkt.

4. HVAD MINDELIGE SVAR HAR HAR DU DIT ARBEJDE?

Jeg hører ofte folk sige: "Wow, det er så levende, så lyst, det har rigtig energi." Folk siger om mine bybilleder: "Jeg kunne gå lige ind i billedet." Sådanne svar gør mig meget glad. Det er virkelig, hvad jeg vil sige med mit arbejde.

Plotterne er meget levende og fulde af energi - seeren burde have lyst til at udforske dem. Jeg vil ikke have, at mit arbejde ser statisk ud, jeg vil ikke have, at det ligner et fotografi. Jeg vil gerne høre, at der er "så meget bevægelse" i det. Hvis du bevæger dig væk fra det, danner det et billede. Ser man godt efter, er det en blanding af farver. Når du har værdierne og farven de rigtige steder, er det dér, magien sker. Det er, hvad maleri er.

Du skal forberede en notesblok og blyant til disse smarte kunsttip (eller bogmærkeknapper).

5. DU HAR EN FANTASTISK BLOG, OVER 1,000 INSTAGRAM-ABONENTER OG OVER 3,500 FACEBOOK-FANS. HVAD PÅVIRKER DINE OPSLAG HVER UGE, OG HVORDAN HAR SOCIALE MEDIER HJÆLPT DIN KUNSTVIRKSOMHED?

Jeg adskiller ikke min undervisning fra min kunstvirksomhed. Jeg ser på det som en integreret del af det, jeg laver. Jeg får en del af min indtægt fra kurser og masterclasses, den anden del fra malerier. Denne kombination udgør min kunstvirksomhed. Jeg bruger sociale medier til at øge bevidstheden om mit arbejde, introducere folk til det og nå ud til potentielle studerende.

Når jeg har brug for en eller to personer mere til at gennemføre mine workshops, poster jeg på Facebook. Jeg plejer at involvere folk, fordi jeg poster om de fag, der undervises i klassen. Jeg har også folk, der er potentielle samlere, der kommer til udstillinger, så jeg målretter mine opslag til min region, og folk kommer. Det tiltrækker folk, jeg ikke kender, til at vise i mit område og er helt sikkert med til at øge bevidstheden om mit arbejde.

Jeg har så mange opslag på sociale medier, fordi hver gang jeg laver en demo, lægger jeg den op. Det giver andre kunstnere og kommende studerende en idé om, hvad jeg underviser i, hvordan jeg griber emner an, og hvor meget arbejde det kræver at blive en mester.

Mange begyndere kan ikke vente med at komme til det niveau, hvor de ved, hvad de laver. De spørger, hvornår de er klar til udstillingen i galleriet. Det kræver meget tid og konstant indsats at skabe et værk, før man overvejer galleriudstillinger. Jeg sætter pris på, hvor meget arbejde og indsats det virkelig kræver.

Jeg poster også indhold, der er lærerigt for andre kunstnere, der forsøger at tage det til næste niveau. Dette peger dem i den rigtige retning og vækker deres interesse for at arbejde med mig i en fremtidig klasse.

Jeg holder mine blogindlæg autentiske og positive – det er virkelig vigtigt for mig. Der er mange ting, der ikke er vigtige for begyndende kunstnere, så jeg vil gerne give disse kunstnere det grundlæggende.

6. DU ER LÆRER I NEW JERSEY FINE ARTS CENTER, HUNTERDON ART MUSEUM OG CENTER FOR SAMTIDSKUNST. HVORDAN PASSER DETTE DIN KUNSTVIRKSOMHED?

Jeg laver altid demonstrationer og betragter undervisning som en del af min kunstvirksomhed. Nogle af mine bedste tegninger er fra demonstrationer, når jeg underviser elever.

Jeg elsker at demonstrere. Jeg er interesseret i at give eleverne færdigheder, som de kan bruge på egen hånd. Du får mere ud af timerne, når fokus er på læring frem for individuel tid i studiet.

Jeg bruger mit eget arbejde som eksempler. Jeg tager elever med på tur. Jeg starter hver lektion med en demonstration. Jeg har altid et koncept, som jeg fremhæver i en demo, såsom komplementære farver, perspektiv eller komposition.

Jeg laver også mange plein air workshops, så jeg kombinerer workshoppen med et par dages maling. Til sommer underviser jeg i pasteller og akvareller i Aspen. Jeg vil bruge researchen, når jeg vender tilbage til større projekter.

Jeg kan tale og tegne på samme tid, det forvirrer mig virkelig ikke. Jeg tror, ​​at nogle mennesker har problemer med dette. Det er vigtigt, at din demo giver mening. Tal om det og hold det i dit sind for at holde fokus. Sørg for, at dette er et meget vigtigt punkt i det, du laver. Selvfølgelig, hvis jeg arbejder på en kommission, vil jeg ikke gøre det i klassen. Jeg lavede nogle af de store stykker i klassen og lavede små stykker til salg. Hvis du skal undervise, skal du kunne det. Studerende, der studerer kunst, er visuelle elever.

7. HVAD ER DIN FILOSOFI SOM LÆRER OG LEKTION NUMMER ET VIL DU ØNSKE, DINE ELEVER SKAL HUSK?

Vær autentisk. Forsøg ikke at være andre end dig selv. Hvis du har noget, der er stærkt, så få mest muligt ud af det. Hvis der er områder, hvor du er svag, så tag fat på dem. Tilmeld dig et tegnekursus eller farveblandingsworkshop. Anerkend det faktum, at du skal bekæmpe dine svagheder og gøre det bedste, du kan med dem.

Vær tro mod det, der ophidser dig. Jeg elsker at tegne og jeg elsker abstrakt maleri, men jeg kan aldrig se mig selv blive en ren abstrakt kunstner, fordi jeg elsker at tegne for meget. Dette er en vigtig del for mig som kunstner.

Beslut ikke, hvad du vil tegne mere realistisk for at øge salget, hvis det ikke er det, du ønsker. Tegn det, der driver dig og begejstrer dig mest. Alt mindre end dette er ikke dit bedste arbejde.

Arbejd på dine svagheder og byg på dine styrker. Gå efter det, du virkelig holder af, og få succes med det. Skift ikke for at behage markedet, fordi du aldrig kan glæde alle. Derfor laver jeg ikke mange bestillinger. Jeg vil ikke tegne et billede af en anden person og sætte mit navn på det. Hvis du ikke er interesseret i at tegne noget, så lad være med at gøre det. Det er bedre at gå fra ham end at risikere at ødelægge dit omdømme som kunstner.

Interesseret i at lære mere af Ann Kullaf? .