amerikanske kunstnere. 7 mestre, der overraskede verden

Amerikanske kunstnere er meget forskellige. Nogen var en klar kosmopolit, som Sargent. Han er amerikaner af oprindelse, men har boet i London og Paris i næsten hele sit voksne liv.

Der er også autentiske amerikanere blandt dem, som kun skildrede livet for deres landsmænd, som Rockwell.

Og der er kunstnere ude af denne verden, som Pollock. Eller dem, hvis kunst er blevet et produkt af forbrugersamfundet. Det her handler selvfølgelig om Warhol.

De er dog alle amerikanere. Frihedselskende, modig, lys. Læs om syv af dem nedenfor.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler kan næppe kaldes en rigtig amerikaner. Da han voksede op, boede han i Europa. Og han tilbragte overhovedet sin barndom ... i Rusland. Hans far byggede en jernbane i St. Petersborg.

Det var der, drengen James forelskede sig i kunst, og besøgte Hermitage og Peterhof takket være sin fars forbindelser (dengang var de stadig lukkede paladser for offentligheden).

Hvorfor er Whistler berømt? Uanset hvilken stil han maler, fra realisme til tonalisme*, kan han næsten umiddelbart genkendes på to træk. Usædvanlige farver og musikalske navne.

Nogle af hans portrætter er efterligninger af gamle mestre. Som for eksempel hans berømte portræt "Kunstnerens mor".

Kunstneren har skabt fantastiske værker med farver, der spænder fra lysegrå til mørkegrå. Og noget gult.

Men det betyder ikke, at Whistler kunne lide sådanne farver. Han var en ekstraordinær person. Han kunne sagtens dukke op i samfundet i gule sokker og med en lys paraply. Og det er, når mænd udelukkende klædte sig i sort og gråt.

Han har også meget lettere værker end "Mor". For eksempel Symfoni i hvid. Så billedet blev kaldt af en af ​​journalisterne på udstillingen. Whistler kunne lide ideen. Siden kaldte han næsten alle sine værker på en musikalsk måde.

Men så, i 1862, kunne offentligheden ikke lide symfonien. Igen på grund af Whistlers idiosynkratiske farveskemaer. Det virkede mærkeligt for folk at skrive en kvinde i hvidt på en hvid baggrund.

På billedet ser vi Whistlers rødhårede elskerinde. Helt i prærafaelitternes ånd. Når alt kommer til alt, så var kunstneren venner med en af ​​de vigtigste initiativtagere til prærafaelismen, Gabriel Rossetti. Skønhed, liljer, usædvanlige elementer (ulveskind). Alt er som det skal være.

Men Whistler bevægede sig hurtigt væk fra prærafaelismen. Da det ikke var ydre skønhed, der var vigtigt for ham, men humør og følelser. Og han skabte en ny retning - tonalisme.

Hans natlige landskaber i tonalismens stil ligner virkelig musik. Monokrom, tyktflydende.

Whistler sagde selv, at musiknavne er med til at sætte fokus på selve maleriet, linjer og farve. Samtidig uden at tænke på stedet og de mennesker, der er afbildet.

Tonalisme, såvel som tæt på det impressionisme, i midten af ​​19-tallet var offentligheden heller ikke imponeret. For langt fra den realisme, der var populær på det tidspunkt.

Men Whistler vil have tid til at vente på anerkendelse. Ved slutningen af ​​hans liv vil hans arbejde villigt blive købt.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt blev født ind i en velhavende familie. Hun kunne leve et ubekymret liv. Bliv gift og få børn. Men hun valgte en anden vej. Efter at have givet sig selv et cølibatløfte for maleriets skyld.

Hun var venner med Edgar Degas. Fik i onsdags impressionister, for altid revet med af denne retning. Og hendes "Girl in a Blue Armchair" er det første impressionistiske værk, som offentligheden så.

Men ingen kunne rigtig godt lide billedet. I det 19. århundrede blev børn afbildet som lydigt siddende engle, med krøllede krøller og rosenrøde kinder. Og her er et barn, der tydeligvis keder sig, og sidder i en for afslappet stilling.

Men det var Mary Cassatt, som aldrig fik sine egne børn, som næsten var den første til at fremstille dem så naturlige, som de er.

For den tid havde Cassatt en alvorlig "fejl". Hun var en kvinde. Hun havde ikke råd til at gå alene i parken for at male fra naturen. Især for at gå på cafe, hvor andre kunstnere var samlet. Alle mænd! Hvad var der tilbage til hende?

Skriv monotone teselskaber til kvinder i stuer med marmorpejse og dyre testel. Livet er afmålt og uendeligt kedeligt.

Mary Cassatt ventede ikke på anerkendelse. Først blev hun afvist for sin impressionisme og formodede ufærdige malerier. Dengang, allerede i det 20. århundrede, var det skarpt "forældet", da Art Nouveau var på mode (Klimt) og fauvisme (Matisse).

Men hun forblev tro mod sin stil til det sidste. impressionisme. Blød pastel. Mødre med børn.

Af hensyn til maleriet opgav Cassatt moderskabet. Men hendes femininitet blev i stigende grad manifesteret netop i så delikate værker som Sleeping Child. Det er en skam, at et konservativt samfund engang satte hende foran et sådant valg.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent var sikker på, at han ville være portrætmaler hele sit liv. Karrieren gik godt. Aristokrater stod i kø for at beordre ham.

Men en gang krydsede kunstneren grænsen efter samfundets mening. Det er nu svært for os at forstå, hvad der er så uacceptabelt i filmen "Madame X".

Sandt nok, i den originale version havde heltinden en af ​​braletterne udeladt. Sargent "opdrog" hende, men det hjalp ikke på sagen. Ordrer er blevet til ingenting.

Hvad uanstændigt så offentligheden? Og det faktum, at Sargent portrætterede modellen i en overmodig positur. Desuden er gennemskinnelig hud og et lyserødt øre meget veltalende.

Billedet siger sådan set, at denne kvinde med øget seksualitet ikke er afvisende over for at acceptere andre mænds frieri. Desuden at være gift.

Desværre, bag denne skandale, så samtidige ikke mesterværket. Mørk kjole, lys hud, dynamisk positur - en simpel kombination, der kun kan findes af de mest talentfulde mestre.

Men der er intet ondt uden det gode. Sargent fik frihed til gengæld. Han begyndte at eksperimentere mere med impressionisme. Skriv børn i umiddelbare situationer. Sådan udkom værket "Nellik, Lily, Lily, Rose".

Sargent ønskede at fange et specifikt øjeblik af tusmørke. Så jeg arbejdede kun 2 minutter om dagen, når belysningen var rigtig. Arbejdede sommer og efterår. Og da blomsterne visnede, erstattede han dem med kunstige.

I de seneste årtier kom Sargent så ind i smagen af ​​frihed, at han helt begyndte at opgive portrætter. Selvom hans ry allerede er genoprettet. Han afviste endda groft en klient og sagde, at han ville male hendes port med stor fornøjelse end hendes ansigt.

Samtidige behandlede Sargent med ironi. At betragte det som forældet i modernismens tidsalder. Men tiden satte alt på sin plads.

Nu er hans arbejde intet mindre værd end de mest berømte modernisters arbejde. Nå, endsige kærligheden til offentligheden og ikke sige noget. Udstillinger med hans værker er altid udsolgt.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Det er svært at forestille sig en mere populær kunstner i hans levetid end Norman Rockwell. Flere generationer af amerikanere voksede op på hans illustrationer. Elsker dem af hele mit hjerte.

Rockwell portrætterede jo almindelige amerikanere. Men samtidig vise deres liv fra den mest positive side. Rockwell ønskede ikke at vise hverken onde fædre eller ligegyldige mødre. Og du vil ikke møde ulykkelige børn med ham.

Hans værker er fulde af humor, saftige farver og meget dygtigt fangede udtryk fra livet.

Men det er en illusion, at arbejdet nemt blev givet til Rockwell. For at skabe ét maleri ville han først tage op til hundrede fotografier med sine modeller for at fange de rigtige bevægelser.

Rockwells arbejde har haft en enorm indflydelse på millioner af amerikanere. Han talte jo ofte ved hjælp af sine malerier.

Under Anden Verdenskrig besluttede han at vise, hvad soldaterne i hans land kæmpede for. Efter at have skabt blandt andet maleriet "Freedom from Want". I form af Thanksgiving, hvor alle familiemedlemmer, velnærede og tilfredse, nyder familieferien.

Efter 50 år på Saturday Evening Post flyttede Rockwell til det mere demokratiske Look-magasin, hvor han var i stand til at udtrykke sine holdninger til sociale spørgsmål.

Det lyseste værk i disse år er "The Problem We Live With".

Dette er den sande historie om en sort pige, der gik i en hvid skole. Siden der blev vedtaget en lov om, at mennesker (og dermed uddannelsesinstitutioner) ikke længere skulle opdeles efter racemæssige linjer.

Men indbyggernes vrede kendte ingen grænser. På vej til skole blev pigen bevogtet af politiet. Her er sådan et "rutinemæssigt" øjeblik og viste Rockwell.

Hvis du vil kende amerikanernes liv i et let udsmykket lys (som de selv ønskede at se det), så sørg for at se på Rockwells malerier.

Måske af alle malere præsenteret i denne artikel er Rockwell den mest amerikanske kunstner.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

I modsætning til Rockwell var Wyeth ikke så positiv. En eneboer af natur søgte han ikke at pynte på noget. Tværtimod skildrede han de mest almindelige landskaber og umærkelige ting. Bare en hvedemark, bare et træhus. Men han formåede endda at kigge noget magisk i dem.

Hans mest berømte værk er Christinas verden. Wyeth viste en kvindes skæbne, hans nabo. Efter at have været lam siden barndommen kravlede hun rundt i området omkring sin gård.

Så der er ikke noget romantisk i dette billede, som det måske umiddelbart ser ud. Hvis du ser godt efter, så har kvinden smertefuld tyndhed. Og ved at heltindens ben er lammet, forstår man med sorg, hvor langt hun stadig er langt hjemmefra.

Ved første øjekast skrev Wyeth det mest banale. Her er det gamle vindue i det gamle hus. Et lurvet gardin, der allerede er begyndt at blive til stumper. Udenfor vinduet mørkner skoven.

Men der er noget mystik i alt dette. Et andet udseende.

Så børn er i stand til at se på verden med et blik uden blink. Det gør Wyatt også. Og vi er sammen med ham.

Alle Wyeths anliggender blev varetaget af hans kone. Hun var en god organisator. Det var hende, der kontaktede museer og samlere.

Der var lidt romantik i deres forhold. Musikken skulle frem. Og hun blev en enkel, men med et ekstraordinært udseende Helga. Det er det, vi ser i mange værker.

Det ser ud til, at vi kun ser et fotografisk billede af en kvinde. Men af ​​en eller anden grund er det svært at bryde væk fra det. Hendes øjne er for komplekse, hendes skuldre spændte. Vi anstrenger os sådan set internt med hende. Kæmper med at finde en forklaring på denne spænding.

Wyeth skildrer virkeligheden i alle detaljer, og på magisk vis udstyrede hun hende med følelser, der ikke kan lade være ligeglade.

Kunstneren blev ikke anerkendt i lang tid. Med sin realisme, om end magisk, passede han ikke ind i det 20. århundredes modernistiske tendenser.

Når museumsarbejdere købte hans værker, forsøgte de at gøre det stille og roligt uden at vække opmærksomhed. Udstillinger blev sjældent arrangeret. Men til modernisternes misundelse har de altid været en bragende succes. Folk kom i hobetal. Og de kommer stadig.

Læs om kunstneren med artiklen Christines verden. Andrew Wyeths mesterværk."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock er umulig at ignorere. Han krydsede en vis grænse i kunsten, hvorefter maleriet ikke kunne være det samme. Han viste, at man i kunst generelt kan klare sig uden grænser. Da jeg lagde lærredet på gulvet og sprøjtede det med maling.

Og denne amerikanske kunstner begyndte med abstraktionismen, hvor det figurative stadig kan spores. I hans arbejde fra 40'erne "Shorthand Figure" ser vi konturerne af både ansigtet og hænderne. Og endda forståelige for os symboler i form af kryds og nuller.

Hans arbejde blev rost, men de havde ikke travlt med at købe. Han var fattig som en kirkemus. Og han drak skamløst. Trods et lykkeligt ægteskab. Hans kone beundrede hans talent og gjorde alt for sin mands succes.

Men Pollock var oprindeligt en ødelagt personlighed. Fra hans ungdom stod det klart af hans handlinger, at den tidlige død var hans lod.

Denne brudthed som følge heraf vil føre ham til døden i en alder af 44. Men han vil have tid til at lave en revolution i kunsten og blive berømt.

Og han gjorde det i en periode på to års ædruelighed. Han var i stand til at arbejde frugtbart i 1950-1952. Han eksperimenterede længe, ​​indtil han kom til drypteknikken.

Han lagde et kæmpe lærred ud på gulvet i sit skur og gik rundt om det, ligesom han var med på selve billedet. Og sprayet eller bare hældt maling.

Disse usædvanlige malerier begyndte at blive købt fra ham frivilligt for deres utrolige originalitet og nyhed.

Pollock blev forbløffet over berømmelse og faldt i en depression uden at forstå, hvor han skulle gå hen. Den dødelige blanding af alkohol og depression efterlod ham ingen chance for at overleve. Engang satte han sig meget beruset bag rattet. Sidste gang.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Kun i et land med sådan en forbrugskult, som i Amerika, kunne popkunst blive født. Og dens vigtigste initiativtager var selvfølgelig Andy Warhol.

Han blev berømt for at tage de mest almindelige ting og forvandle dem til et kunstværk. Det var, hvad der skete med Campbells suppedåse.

Valget var ikke tilfældigt. Warhols mor fodrede sin søn med denne suppe hver dag i over 20 år. Selv da han flyttede til New York og tog sin mor med.

Efter dette eksperiment blev Warhol interesseret i serigrafi. Siden da har han taget billeder af popstjerner og malet dem i forskellige farver.

Sådan fremstod hans berømte malede Marilyn Monroe.

Et utal af sådanne Marilyn-syrefarver blev produceret. Art Warhol sat i gang. Som forventet i et forbrugersamfund.

Malede ansigter blev opfundet af Warhol af en grund. Og igen, ikke uden moderens indflydelse. Som barn, under en langvarig sygdom af sin søn, slæbte hun ham pakker med malebøger.

Denne barndomshobby voksede til noget, der blev hans visitkort og gjorde ham fabelagtig rig.

Han malede ikke kun popstjerner, men også sine forgængeres mesterværker. Fik det og "Venus" Botticelli.

Venus har ligesom Marilyn gjort meget. Eksklusiviteten af ​​et kunstværk "udviskes" af Warhol til pudder. Hvorfor gjorde kunstneren dette?

At popularisere gamle mesterværker? Eller omvendt prøve at devaluere dem? At forevige popstjerner? Eller krydre døden med ironi?

Hans malede værker af Madonna, Elvis Presley eller Lenin er nogle gange mere genkendelige end de originale billeder.

Men mesterværkerne bliver næppe overskygget. Alligevel forbliver den oprindelige "Venus" uvurderlig.

Warhol var en ivrig festdeltager og tiltrak mange udstødte. Stofmisbrugere, fejlslagne skuespillere eller bare ubalancerede personligheder. En af dem skød ham engang.

Warhol overlevede. Men 20 år senere, på grund af følgerne af et sår, han engang havde fået, døde han alene i sin lejlighed.

amerikansk smeltedigel

På trods af amerikansk kunsts korte historie er sortimentet bredt. Blandt amerikanske kunstnere er der impressionister (Sargent) og magiske realister (Wyeth) og abstrakte ekspressionister (Pollock) og pionerer inden for popkunst (Warhol).

Nå, amerikanere elsker valgfrihed i alt. Hundredvis af trosretninger. Hundredvis af nationer. Hundredvis af kunstretninger. Det er derfor, han er USA's smeltedigel.

* Tonalisme - monokrome landskaber af grå, blå eller brune nuancer, når billedet er som i en tåge. Tonalisme betragtes som en udløber af impressionismen, da den formidler kunstnerens indtryk af, hvad han så.

***

Kommentarer andre læsere se nedenunder. De er ofte et godt supplement til en artikel. Du kan også dele din mening om maleriet og kunstneren, samt stille forfatteren et spørgsmål.

engelsk version af artiklen